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La crítica de arte hoy. Ángela Molina. 16 de mayo

Belen — Wed, 09 May 2012 13:25:03 +0000

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La Crítica es un género literario, pero un género literario asociado al riesgo. La crítica se produce masivamente pero tb masivamente se ignora. Su moderna heterogeneidad y multiplicidad hace que quienes la ejercen se enfrenten a un entorno artístico enormemente plural y a una industria cultural muy segmentada, donde todo el mundo está conectado. Por tanto, el crítico independiente está aislado. Y ante la incertidumbre de las expectativas, ese crítico suficientemente bueno e independiente o termina por hacerse enemigo de todos –del sistema- o acaba adaptándose rápidamente a la situación. Se podría decir que la crítica padece cierta obsolescencia a causa de la inercia del mercado global.Hay una nueva demanda de la crítica en estos momentos de incertidumbre económica, en la que nadie o casi nadie vende. Con la llamada conmodificación del arte, la crítica de arte busca ponerse por encima de ella a través de la teoría.
Frente a aquellos que han convertido la crítica en un juego estético, en un dogma o incluso en un ingenuo método subversivo contra las instituciones, vale la pena recordar que el espíritu crítico no está orientado al acuerdo, incluso puede ser un objeto de interés progresivamente marginal.
La descarada mercantilización y comercialización de la cultura, uno de los sellos distintivos de nuestra época, ha arrastrado con ella a la crítica. Quizás sea el momento de recuperarla en su dimensión más corrosiva desde otros lugares, más allá de la página impresa.
Ángela Molina Climent (1962). Licenciada en Filología Española y doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Unversidad Autónoma de Barcelona (UAB). Ejerció la crítica de arte en el suplemento de cultura del diario ABC hasta 2000. Desde 2001, colabora en las secciones de arte y literatura de los suplementos culturales Babelia y Quadern (EL País) y en publicaciones especializadas (Lars, Revista de Libros, Minerva). Ha dirigido la revista de arte y pensamiento Art & Co y es especialista en teoría feminista y estudios de género. Editora del libro Los lugares de la Crítica (Universidad de Navarra), 2011

Coleccionismo público y privado. Agustin Pérez. 2 de mayo

Belen — Wed, 02 May 2012 11:03:45 +0000

Esta clase pretende acercarse, a partir de diversos casos reales, a la historia del coleccionismo de arte contemporáneo, desde dos ámbitos diferenciados. Por un lado, desde la perspectiva de las colecciones de los museos, que tanto sus directores o conservadores han construido, conservado y expuesto durante años con el objetivo de perpetuar la esencia de dichas instituciones. Por otra parte, se hará énfasis en las iniciativas de coleccionismo privado que han dado origen a importantes colecciones, fundaciones, e incluso museos, reflejo tanto del un espíritu filantrópico de coleccionistas privados, como del gusto y la cultura de su tiempo. Así, repasaremos algunas de las principales colecciones privadas, sus motivaciones, sus presentaciones y la diferencia de criterios a la hora de crearlas.
Agustin Pérez Rubio es historiador de arte, crítico y comisario. Director del MUSAC desde el año 2009.

La galería de arte: espacio paradójico. Roberto Castrillo. 25 de abril

Belen — Wed, 25 Apr 2012 10:17:13 +0000

En el último bloque del curso se aborda el análisis de aquellos agentes, privados o públicos, que intervienen y estructuran el sistema artístico contemporáneo tanto en su configuración específica como en relación con la producción artística que contextualizan. En las galerías de arte privadas, parte fundamental en este organigrama estructural del espacio artístico en las sociedades modernas, confluyen algunos de los principales signos definitorios y contradictorios de la contemporaneidad cultural. Si, por una parte, la galería desempeña un papel insustituible en la dinamización, promoción y difusión de las prácticas artísticas contemporáneas, por otro representa la relación de lo artístico con lo económico, la inserción de los productos de la creación artística en el sistema de mercado. Una relación que, desde la constitución del moderno galerismo en la segunda mitad del siglo XIX, sigue generando debate y polémica en la opinión pública. Un debate que desborda los límites de lo puramente estético para desarrollarse en el ámbito de la ética económica. Las relaciones de las galerías con artistas, críticos, coleccionistas e instituciones, su lugar intermedio entre la producción y la recepción artísticas, convierten a la galería de arte en un espacio paradójico en los valores que representa pero indispensable para el desenvolvimiento y construcción de lo artístico.
Roberto Castrillo
Profesor de Historia del Arte de la Universidad de León donde imparte las asignaturas de Arte Contemporáneo Español, Arte Contemporáneo hasta la Segunda Guerra Mundial, Crítica de Arte y Fuentes e Ideas Estéticas del Arte Contemporáneo. En el ámbito académico ha dirigido numeroso cursos vinculados con el arte y la arquitectura de los siglos XIX y XX. Sus trabajos de investigación se han centrado en diversos territorios: el mercado de arte en Castilla y León, el arte público, la Estética de los siglos XVIII y XIX o la fotografía del siglo XX en León. Crítico de arte en diversos medios y comisario de exposiciones como De Naturaleza Urbana (Salamanca 2002) o Imágenes de la Transición (Astorga 2010). Desde el año 2009 dirige el proyecto EL Hall Transformado en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León.

Limites del arte hoy. Victor del Rio. 18 de abril.18h.

Belen — Mon, 16 Apr 2012 09:37:56 +0000

Como ha tratado de mostrar el ciclo que concluye con esta conferencia, el arte contemporáneo muestra una inequívoca voluntad de romper sus propios límites y de filtrarse en ciertos ámbitos, ya sean de la vida cotidiana o de las tangencias con otras disciplinas. Esta permeabilidad del arte contemporáneo es el resultado de un largo proceso que trataremos de explicar para dar respuesta a cómo se relaciona con la realidad mediática y global que constituye nuestro mundo. La expresión “arte contemporáneo” no responde sólo a una etiqueta temporal, sino a una condición en la que nos vemos abocados a nuevas formas de relacionarnos a través de nuevos y complejos sistemas de comunicación. Así, para reconstruir ese camino nos remontaremos al tránsito entre lo que podríamos considerar un momento de “modernidad” y lo que es “contemporáneo” por constituir una respuesta a los desafíos de nuestro mundo actual. Para ello repasaremos el origen y transformación de las instituciones modernas y los hitos temporales que han dado lugar al actual escenario que determina las formas artísticas contemporáneas.
Víctor del Río es escritor y profesor en la Universidad de Salamanca donde imparte entre otras materias Teorías Artísticas de la modernidad y Teoría del Arte Contemporáneo. Integra el equipo docente del Máster de Estudios Avanzados en Filosofía que comparten las Universidades de Salamanca, Valladolid, León y Burgos. En su labor docente destacan los seminarios para diversas universidades y centros de investigación así como la dirección de cursos como el desarrollado durante tres años en la Universidad de Salamanca bajo el título Conciencia histórica y arte contemporáneo. En el contexto académico ha integrado diversos proyectos de investigación vinculados con la circulación de la imagen y las nuevas tecnologías.
Como ensayista ha sido autor de varias obras como Fotografía objeto. La superación de la estética del documento, Ediciones Universidad de Salamanca (2008), y Factografía. Vanguardia y comunicación de masas, Abada (2010), así como editor de varias obras colectivas. Colaborador habitual de varias revistas especializadas en las que se ha publicado numerosos estudios en el campo de la estética y la teoría de las artes.
En el campo de la gestión ha sido Jefe de Colección y Exposiciones del Museo Patio Herreriano de Valladolid y Coordinador de Investigación y Educación en la misma institución entre 2002 y 2008. En la actualidad forma parte del comité asesor del MUSAC en León desde el 2009.

La cultura en la red. Amador Fernández- Savater. 28 de marzo

Belen — Fri, 23 Mar 2012 16:35:24 +0000

La crisis de la representación atraviesa hoy todos los órdenes: cultural, político, mediático, intelectual, educativo, etc. Por todos lados surgen nuevos “colectivos de enunciación”: voces inesperadas. Y “enunciados imposibles”: miradas imprevistas y subversivas sobre el mundo. Son voces “fuera de lugar” que rebosan por fuera de los límites de las instituciones tradicionales (partido, media, sindicato, museo, universidad), democratizando la producción de sentido.
El 15-M ha hecho definitivamente visible para todo el mundo esta crisis, esta apertura y este nuevo poder social.

Amador Fernández-Savater (Madrid, 1974) va y viene entre el pensamiento crítico y la acción política, buscando siempre su encuentro. Es editor de Acuarela Libros, ha dirigido durante años la revista Archipiélago y ha participado activamente en diferentes movimientos colectivos y de base en Madrid (estudiantil, antiglobalización, copyleft, “no a la guerra”, V de Vivienda, 15-M). Es autor de Filosofía y acción (Editorial Límite, 1999), co-autor de Red Ciudadana tras el 11-M; cuando el sufrimiento no impide pensar ni actuar (Acuarela Libros, 2008) y coordinador de Con y contra el cine; en torno a Mayo del 68 (UNIA, 2008). Actualmente, es responsable del blog “Fuera de Lugar” en la web del diario Público y emite semanalmente desde Radio Círculo el programa “Una línea sobre el mar”, dedicado a la filosofía de garaje.

Webgrafía:
Mail: amador@sindominio.net
Acuarela Libros: http://acuarelalibros.blogspot.com/
blogs.publico.es/fueradelugar
unalineasobreelmar.net

Desbordamientos: Espacio físico y espacio virtual. Karin Ohlenschläger. 21 de marzo

Belen — Thu, 22 Mar 2012 12:00:39 +0000

Karin Ohlenschläger es crítica y comisaria de exposiciones especializada en arte contemporáneo y nuevas tecnologías, desde 1985. Cofundadora y codirectora del MediaLabMadrid, de 2002 a 2006, en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid y miembro fundador de la Fundación Banquete. De sus proyectos expositivos cabe mencionar Pedro Garhel. Retrospectiva, CAAM y La Regenta, Las Palmas 2011 y DA2, Salamanca 2011; Ecomedia_ecological strategies in today´s art, Edith Russ Site for Media Art, Oldenburg/ Alemania, Plug.in Basilea/Suiza (2007/08) y Sala Parpalló, Valencia (2009); Digital Transit, Centro Cultural Conde Duque (2006), así como la trilogía banquete_nodos y redes, LABoral, Gijón( 2008) y ZKM, Karlsruhe (2009), banquete_comunicación en evolución, Centro Cultural Conde Duque (2005) y Gran Canaria Espacio Digital (2005), y banquete03_metabolismo y comunicación, Palau de la Virreina de Barcelona, ZKM, Karlsruhe y el Centro Cultural Conde Duque (2003/04). Ha impartido numerosas conferencias y seminarios acerca de media art y cultura contemporánea. Actualmente es profesora de Arte, Ciencia y Tecnología en la Universidad Europea de Madrid y presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo.

El giro sonoro de las artes y la música. Antonio Notario. 14 de marzo

Belen — Fri, 09 Mar 2012 13:32:46 +0000

Imagen: John Cage y David Tudor.
Desde comienzos del siglo XX, comenzaron a producirse transformaciones tanto en el ámbito de la música como en el de otras prácticas artísticas que convergían en un aspecto: la apertura hacia el sonido. Durante siglos el monopolio del sonido había correspondido a la música que, sin embargo, no representa más que una porción ‘civilizada’ de sonido. Las vanguardias históricas contribuyeron a una reflexión más amplia sobre el sonido de forma que a lo largo del siglo XX se ha producido un verdadero giro hacia el sonido y, de forma inevitable, hacia un nuevo paradigma de escucha.

Antonio Notario Ruiz es compositor, pianista y profesor de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Salamanca. Editor de Contrapuntos estéticos (2005) y Estética: perspectivas contemporáneas (2008) y co-editor de la colección Materiales de Arte y Estética en la editorial Luso-Española. Ha realizado igualmente la selección y edición de textos del compositor salmantino Gerardo Gombau (1906 – 1971), Estética y Música (2006). Compagina su investigación sobre la creación sonora y la música con la composición y la interpretación musical.

Sobre la cuerda floja: relaciones y conflictos entre arte y literatura. Alberto Santamaría. 7 de marzo.

Belen — Fri, 02 Mar 2012 16:24:55 +0000

En esta charla se pretende abordar las extrañas y poco definidas relaciones entre la literatura (fundamentalmente la poesía) y las artes visuales. Para ello, en primer lugar se establecerá un breve recorrido histórico que nos mostrará cómo se inaugura con Horacio una hermandad entre las artes que progresivamente deviene en tiranía para finalmente regresar a una convivencia cordial en las vanguardias. A partir de la II Guerra Mundial (que es el territorio que nos atañe) observaremos un progresivo desentendimiento entre disciplinas, pero que aún así derivará en intoxicaciones fructíferas, como en el caso del arte conceptual y posteriormente en el marco de las nuevas tecnologías. Así nos referiremos a escritores como Frank O´Hara, John Ashbery, Kathy Acker o Kenneth Goldsmith y a artistas visuales como Mike Goldberg, Robert Smithson, Sherrie Levine, etc.
sigue el streaming directo de la clase AQUÍ

Mayo del 68 y primeros movimientos contraculturales. Carles Guerra. 29 de febrero

Belen — Fri, 24 Feb 2012 10:30:39 +0000

Creditos imagen: panfleto de Art & Language para la Bienal de Venecia de 1976
18:00h. Mayo del 68 y primeros movimientos contraculturales. Los situacionistas, y la Internacional Letrista. “And the talk went up the wall”. Del paradigma crítico a la fábrica social (1968-1979).
La conferencia trazará un recorrido entre 1968 y 1979. Entre ambas fechas media un periodo de producción estética e intelectual marcado por un giro lingüístico que determinará las tácticas del situacionismo tanto como las formas comunicativas del arte conceptual. El tránsito de un paradigma crítico a la fábrica social describe asimismo una de las transformaciones más características de esos años, una época en la que se inaugura una nueva lógica de producción capitalista que, tal como concluyera Fredric Jameson, acabaría asimilando la producción cultural a la lógica de la economía. La conferencia tomará como eje de esta percepción las prácticas conversacionales de Art & Language y la gran novela de Peter Weiss, La estética de la resistencia.
Carles Guerra es doctor en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (UB) y profesor de Estructuras Sociales y Tendencias Culturales en la Universitat Pompeu Fabra (UPF), en el ámbito de la docencia ha sido profesor invitado en varias universidades, y más recientemente ha sido miembro del Greenroom Project, dedicado al análisis de las prácticas documentales contemporáneas en el Center for Curatorial Studies de Bard College, Nueva York. Desde 2009 ha dirigido La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona. Su carrera profesional se ha desarrollado en el ámbito del comisariado de exposiciones, crítica de arte, análisis de políticas culturales y producción visual. Sus trabajos investigan los aspectos dialógicos de la cultura visual contemporánea.
También ha sido vocal del Consejo de Administración del Institut de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, y desde 2009 es miembro del comité científico del Lieven Gevaert Research Centre for Photography, en Bélgica. Además, fue nombrado director de la Primavera Fotográfica de Cataluña en 2004 y este 2011 ha sido galardonado con el premio Ciutat de Barcelona en la modalidad de artes visuales. Desde el año 1999 ha sido el responsable de distintas exposiciones, y entre las últimas se encuentran: “Guía secreta de La Rambla”, “Antifotoperiodismo” y “Fuego diverso. Bruno Serralongue”, las tres, en 2010. En 2011 “1979. Un monumento en instantes radicales”, en La Virreina Centro Imagen. Por último, decir que es autor de numerosos textos monográficos y ensayos sobre arte contemporáneo, y en la actualidad forma parte del consejo asesor del suplemento “Cultura/s” publicado por La Vanguardia.
Carles Guerra es desde enero de 2012 el nuevo Conservador jefe del Museu d’Art Contemporani de Barcelona MACBA.
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Arte y Activismo. Belén Sola. 22 de febrero.

Belen — Tue, 21 Feb 2012 10:05:57 +0000

Como hemos podido ver a lo largo de este III bloque del curso, la segunda mitad del s. XX produce un arte profundamente unido a los diferentes contextos políticos. Si esto es así, no siempre tuvo una marcada intencionalidad política entendida esta como la voluntad de contribuir a un cambio social.
En la clase de hoy nos acercaremos precisamente a esas otras manifestaciones del arte, alejadas de los mercados, las tendencias comerciales o los espacios de exhibición convencional, intentando trazar una línea paralela a medio camino entre las tendencias y manifestaciones artísticas contestatarias escritas en la Historia del Arte con mayúsculas y las reivindicaciones políticas y sociales de la segunda mitad del S.XX.
A grandes rasgos y a modo de primer esbozo para estudiar “arte y activismo”, he intentado diferenciar dos espacios donde el arte se sitúa como territorio para el debate político:

1- espacio dentro del sistema artístico-cultural. Debate dentro del propio sistema arte
2- espacio dentro de los movimientos sociales y reivindicativos. Desde la utilización de lo creativo o lo artístico para la reivindicación hasta el concepto de proceso activista como hecho artístico.

Esta división, resultaría muy cómoda si fuera cierta y efectiva, pero la realidad es que a partir de mediados de los 60 y ps de los 70, el arte y el activismo intercambian prácticas, estrategias y métodos de manera diversa y dispersa, actuando con la propia táctica del camuflaje, una de las armas de trabajo de estos grupos, para escapar de toda clasificación o estudio categórico. Por ello, vamos a presentar un mapa de conceptos, que intenta al menos atisbar diferentes momentos en la segunda mitad del S-XX, por supuesto no todos, en los que arte y activismo comparten un objetivo común, la reivindicación y la contribución a un cambio social.