Ciclo de Cine experimental

septiembre 23rd, 2011  |  Published in Proyecciones

El cine como máquina de guerra. Crítica y sublevación de la vanguardia más radical. Programación a cargo de Esperanza Collado.

Los jueves a partir del 10 de Noviembre 2011. 20.10 horas.

Lugar: todas las sesiones en el Salón de Actos del Musac, excepto el 22 de diciembre 2011, en que la sesión de proyecciones tendrá lugar en el Teatro del Albeitar.
El Musac propone este ciclo como actividad complementaria al  VI Curso de Arte Contemporáneo y  como trasfondo a la exposición “Cambio de Paradigma. Colección Serralves  años 60-70”, que presenta una revisión de un periodo artístico en que se crean nuevas gramáticas que aun hoy definen los parámetros de lo que entendemos por arte contemporáneo. A lo largo del ciclo propuesto veremos películas que  se sitúan en el contexto histórico del cine  vanguardista y, que abarcan un periodo más amplio (desde las primeras vanguardias de los años 20 hasta la actualidad)  pasando a través de los años 60 y 70 y proponiendo por lo tanto obras de artistas presentes en la Exposición.  Este ciclo, poblado de trabajos artísticos en los que la percepción, la noción de proceso y la corporeidad se convierten en los temas principales de exploración, conforma una introducción a trabajos imprescindibles de la historia del cine vanguardista y propone un análisis crítico de los factores que condujeron a esta práctica a realizar una especie de “suicidio de protesta” a las puertas de  su desmaterialización, tras la cual formaría un vínculo con las demás artes que las transformaría para siempre.

Programa

10 de Noviembre.  Presentación del ciclo a cargo de Esperanza Collado. La destrucción del Plot

En los años 1920 y 1930 ya existía un cine subversivo que se negaba a continuar las conformidades y estandarizaciones que dominaban al medio, haciendo un uso más poético y artístico de éste. Fue Dziga Vertov el primero en proponer la “aceleración de la muerte del cinematógrafo para que un verdadero arte fílmico pudiera nacer”. Esta convicción sólo podía dar lugar a un cine anti-drama, sin actores, guiones o escenarios impostados. Por otro lado, Man Ray cuestiona el valor representativo de la fotografía como veracidad documental de la imagen mediante la utilización de técnicas insólitamente destructivas con respecto al celuloide, mientras Oskar Fischinger constituye uno de los antecedentes del cine sin cámara, dando paso a una diversidad de experimentaciones plásticas y pictóricas.

Oskar Fischinger, Allegretto. Alemania (1936). 16mm, color, sonido, 3 min. Man Ray, Le Retour a la Raison. Francia (1923), 35mm, b/n, muda, 2 min. Dziga Vertov, El Hombre de la Cámara. Unión Soviética (1929), DVD, b/n, sonido, 68 min.

17 de Noviembre. Asalto a la suspensión crítica

El cine estructural-materialista –una tendencia que comparte preocupaciones con el arte conceptual– se sirve de los poderes que el medio ofrece para re-abrir un amplio espectro experiencial que renueva las potencialidades interpretativas de la percepción. Tal premisa a menudo ha servido para desmitificar el cine, y un claro ejemplo de ello es el modo en que se quebranta el dominio de la “suspensión crítica”, ese estado perceptivo por medio del cual obviamos los aspectos técnicos que hacen posible la redención ficticia de la realidad a cambio de la promesa del entretenimiento. Se analizan los procesos de reproducción y percepción, y se trazan paralelismos entre la presencia del espectador en la obra y la situación procesual en la que ésta se desarrolla.

Michael Snow, Wavelenght. Canadá (1967), 16mm, color, sonido, 45 min. Birgit Hein, Rohfilm. Alemania (1974), 16mm, color y b/n, muda, 40 min. Hollis Frampton, Handling. Estados Unidos (s.d.).

24 de Noviembre. Las enfermedades del celuloide

En su negación a representar, el cine modifica sus propias condiciones de aparición hasta el punto de presentarse a sí mismo anémico, epiléptico, ciego y entrópico. Su falta de sangre puede emanar de la constricción radical del espacio de representación o, por el contrario, haciendo fuertemente evidente el espacio de exhibición fílmica a través de un cine parpadeante sin imágenes que puede verse incluso con los ojos cerrados. Pero también se presenta a través de grietas, rascaduras y otros daños efectuados directamente sobre la emulsión de la película al estudiar la ceguera y la pantalla negra como enjuague visual, o la noción de proceso como deconstrucción gradual de la imagen.

AVISO IMPORTANTE: Por razones debidas a la distribución la película “Print Generation” de JJ Murphy no se proyectará

Marcel Duchamp, Anémic Cinèma. Francia (1926), 16mm, b/n, muda, 7 min. Stan Brakhage, Reflections on Black. Estados Unidos (1955), 16mm, b/n, sonido, 12 min. JJ Murphy, Print Generation. Estados Unidos (1974), 16mm, color, sonido, 50 min. Tony Conrad, The Flicker. Estados Unidos (1966), 16mm, b/n, sonido, 30 min.

15 de Diciembre. Crítica de la separación.

Una diversidad de relaciones entre texto, sonido e imagen se convierten en temas de exploración para crear asincronías y discontinuidades, poner en cuestión la tradicional importancia de la imagen sobre el sonido, y desafiar las aparentes obviedades del discurso acerca del cine. El Letrismo francés, encabezado por el poeta rumano Isidore Isou, es sin duda el primer movimiento anti-cine que de forma más literal respondía a la violencia crítica y paradojal del cumplimiento extremo del programa vanguardista. Las películas que forman esta sesión tratan de potenciar lo imaginario llevando a primer término la palabra y el sonido, y aniquilando, con una fuerte dosis de ironía y humor, los elementos habituales de aquello que normalmente entendemos como cine.

Ryszard Wasko, 30 Sound Situations. Polonia (1975), 16mm, b/n, sonido, 10 min. Michael Snow, So Is This. Canadá (1982), 16mm, color, muda, 45 min. Isidore Isou, Traité de Bave et D’éternité. Francia (1951), 16mm, b/n, sonido, 60 min.

22 de Diciembre. La Estética del Corte (Proyección en el Teatro del Albeitar)

Quizá la invención más original que inauguró el cine radique en el montaje y su articulación por cortes. Ya sea a través de cortes racionales o irracionales, el potencial descentralizante del montaje es puesto a prueba en películas filmadas por los artistas o utilizando found-footage para dinamitar el material original y conducirlo a un discurso auto-referencial del medio. Pero la naturaleza del celuloide también se articula de forma entrecortada (la consecutividad fotograma-intervalo-fotograma); es luz intermitente. En cualquier caso, es a través del corte que el cine expresa la acción, el movimiento y el tiempo, así como la “tactilvisión”, el parpadeo y la vibración que alcanzan el cuerpo y la desmaterialización del cine.

Peter Tscherkassky, Instructions for a Light/Sound Machine. Austria (2005), 35mm, b/n, sonido, 17 min. José Val del Omar, Ensayos PLAT. España (1975-81), Super8 en vídeo, color, muda, 16 min. Anthony Balch y William S. Burroughs, Towers Open Fire (1963). Reino Unido, 16mm, b/n, sonido, 16 min. Maximilian Le Cain, Background. España e Irlanda (2011), video y Super8 en vídeo, color, sonido, 20 min. Paul Sharits, T,O,U,C,H,I,N,G. Estados Unidos (1968), 16mm, color, sonido, 12 min.

 

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PROGRAMA

17:00h. Visita a la exposición Desaparecidos con Gervasio Sánchez
18,30h. Mesa redonda con Enrique Díez, Santiago Macias, Javier Rodríguez y Gervasio Sánchez.
19,30h. Foro abierto con los asistentes.

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